Die Reportage zum Sound of Düsseldorf

Höchste Zeit also, sich auf den Weg zu machen. Wir sind mit dem Regionalzug gekommen. Auf der Fahrt nach Düsseldorf laufen die 25 Songs durch unsere Kopfhörer, die wir für jede Stadt ausgesucht haben, um ihren repräsentativen Sound zu finden. Zu Beginn Dieter Süverkrüp, Deutschlands wortmächtigster und poetischster Liedermacher. Beeindruckend, immer wieder, wie er die Grenzen zwischen Ernsthaftigkeit und Parodie, einfachem und doppeltem Boden verfließen lassen konnte. Dann folgen NEU! und Kraftwerks „Autobahn“. 22 Minuten Popgeschichte, die untrennbar mit Düsseldorf verbunden sind. Sie klingen nach deutscher Schnellstraße und internationaler Weite, nach Krautrock und Elektronik, nach Kraftwerks Maschinenkälte und Conny Planks Wärme. In seinen besten Momenten ist der „Sound of Düsseldorf“ eine Musik der Gegensätze.

Timon-Karl Kalayta, Texter und Sänger der Elektropopband Susanne Blech, führt uns wenig später durch die Düsseldorfer Altstadt. Auf dem Weg multinationale Modeketten und rheinische Altbier-Kaschemmen, bettelnde Punks und Königsallee-Schickimicki. Gegensätzliche Pole überall. Angekommen in einem Café mit Rheinblick dauert es nicht lange, bis wir auf die bekannteste Band der Stadt zu sprechen kommen. Kalayta, der es mit dem Song „1000 Jahre Kraftwerk“ („Die Sache mit Kraftwerk, mach aus oder leiser. Alle sehen‘s, niemand sagt es: keine Kleider der Kaiser!“) gewagt hat, den Ikonen ans Bein zu pinkeln und dafür einen veritablen Shitstorm erntete, kann sich wunderbar aufregen: „Hier gibt es eine so abgöttische Heldenverehrung“, schimpft er. „Es ist ja alles gut und richtig und Pioniere und so weiter, weiß ich alles, aber wenn sich alle einig sind bei irgendwas, dann muss man doch aus Prinzip was dagegen sagen, auch wenn es falsch ist. Im Falle von Kraftwerk lässt sich sagen, dass der Diskurs an sein komfortables Ende gekommen ist. Niemand mit Verstand würde noch etwas Unehrenhaftes über die Elektropop-Avantgarde aus Düsseldorf sagen, ohne sich lächerlich zu machen. Die popkulturellen Referenzen sind eindeutig, der Fall ist gelöst, die Akte geschlossen – Kraftwerk? Klar, genial! So läuft das.“

In der Tat ist es kaum möglich, sich der Musikstadt Düsseldorf unvoreingenommen zu nähern. Zu zahlreich sind die internationalen Superstars, von David Bowie über die Simple Minds bis zu Depeche Mode oder den Chemical Brothers, die sich auf Düsseldorf und Kraftwerk berufen. Mittlerweile lässt sich problemlos eine kleine Bibliothek mit Publikationen bestücken, und finden in schneller Folge überall auf der Welt Tagungen und Symposien statt. Die Electri_City, so der Titel einer 2014 erschienenen Oral-History über das „Mekka der elektronischen Musik“ (Umschlagtext) ist in ihrer popgeschichtlichen Bedeutung nicht zu überschätzen. Und dennoch erhielt sie ihre ersten wichtigen Impulse durch einen Mann, der bei Kaiserslautern geboren wurde, durch die amerikanische Besatzung geprägt war, in Köln und Hamburg arbeitete und sich Zeit seines Lebens fern hielt von der Schickimicki-Stadt Düsseldorf.

Wir verabreden uns mit Michael Rother, um mehr über die Zeit Anfang der 1970er Jahre zu erfahren, in der Düsseldorf zum ersten Mal eine bedeutende Musikstadt wird. Der Gitarrist und Komponist ist eine der spannendsten Persönlichkeiten der Düsseldorfer Musikszene. Als Mitglied der Kraftwerk-Triobesetzung 1971 und vor allem, zusammen mit Schlagzeuger Klaus Dinger, als Gründer von NEU! hat er den frühen Düsseldorfer Sound geprägt wie kaum ein anderer. Entscheidende Einflüsse, so erzählt uns Rother im Gespräch, erhält er früh durch einen dreijährigen Aufenthalt ab 1960 in Pakistan. Dort lernt er die Musik des indischen Subkontinents kennen. „Das war einfach ein ganz prägendes Erlebnis, diese Musik zu hören, nicht intellektuell zu verarbeiten, sondern rein emotional auf mich einwirken zu lassen“, erzählt er. „Diese arabische, indische Musik mit ihrer Melodik, Rhythmik, dem endlosen Vorwärtstragen von Rhythmen und Melodien, die ich mit meinem mitteleuropäisch geprägten Ohr natürlich überhaupt nicht verstand, aber die eine unglaubliche Anziehungskraft ausübte.“ Wiederholung und Unendlichkeit werden zu wichtigen Begriffen für ihn. Als er 1963 nach Düsseldorf kommt, in die britische Besatzungszone, lässt er sich aber zunächst von der Beatwelle mitreißen. „Das, was die Beatles, Stones, Kinks, solche Bands machten, das war so frisch, so neu, so beflügelnd“, erzählt er. „Ich glaube, jeder zweite in meiner Klasse hatte dann die Ambition, Musik zu machen und in einer Band mitzuspielen.“ Rother wird Lead-Gitarrist der Schülerband Spirits of Sound, in der Ende der 1960er Jahre auch der spätere Kraftwerk-Schlagzeuger Wolfgang Flür und der Sänger Wolfgang Riechmann spielen. Eric Clapton, Jeff Beck und vor allem Jimi Hendrix beeindrucken Rother. In einer Atmosphäre des ästhetischen und politischen Aufbruchs von Beuys über Uecker, Mommartz und Kriwet bis Brandt wird ab Ende der 1960er Jahre sein Bedürfnis nach künstlerischer Eigenständigkeit und Abgrenzung immer stärker: „Meine Musik sollte nicht nur nicht so klingen wie die Bands in England oder Amerika, sondern sie sollte auch anders klingen als alles, was es in Düsseldorf, München oder sonst wo gab.“

Es braucht keine Erklärung, warum sich Rother und Dinger von Kraftwerk trennen mussten, wenn man „Hallogallo“, den ersten Track von NEU!s selbstbetiteltem Debütalbum aus dem Jahr 1972 hört. Zehn hypnotisierende Minuten, die ein handgemachter, rauer Gegenentwurf zu Kraftwerk sind. „Motorik“ haben hilflose Journalisten diesen Sound genannt und ihn damit auf den monotonen Beat reduziert. Man kann hören, wie das ungestüme Temperament des Autodidakten Klaus Dinger scharf auf den ausgeglichenen Charakter Rothers und seine filigrane Gitarrenarbeit trifft, zusammengehalten und zusammengeführt durch Planks Produktion. NEU! erscheint wie seine Nachfolger NEU!2 und NEU!75 auf dem Label Brain, dem zentralen Distributor des Krautrock. Kommerziell erfolgreich sind die Alben alle nicht, „NEU!2“ löst sogar Kontroversen aus, weil Rother und Dinger die zweite Seite mit Neufassungen schon erschienener Stücke füllen (manche sagen: und damit den Remix erfinden). „Die Reaktionen auf das zweite Album und die zweite Seite waren desaströs. Die Leute haben das nicht als künstlerisch legitimes Mittel empfunden, sondern als eine Frechheit, eine Publikumsverhöhnung“, berichtet Rother. Insbesondere das dritte Album der Band kann dennoch in seiner Wirkung kaum überschätzt werden. NEU!75 übt großen Einfluss auf den englischen Punk aus. Aber auch David Bowie, von Brian Eno auf die Düsseldorfer Musik aufmerksam gemacht, wird unter anderem durch NEU!s Drittling motiviert, in Berlin seine Berlin-Trilogie zu beginnen. Bowie lädt Rother ein, am Album Heroes mitzuwirken, nicht geklärte Umstände, vielleicht ein Missverständnis auf Seiten von Bowies Management, verhindern ihre Zusammenarbeit.

Klaus Dinger und Michael Rother selbst fahren erst Ende der 1970er Jahre die Ernte ein: Dinger feiert mit seiner Band La Düsseldorf Erfolge, Rother gelingt, nachdem er Mitte der 1970er Jahre Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius von Cluster kennenlernt und mit ihnen parallel zu NEU! in einem eigenen Studio im Weserbergland die Supergroup Harmonia gebildet hat, als Solokünstler mit dem Album Flammende Herzen 1977 der kommerzielle Durchbruch.

Ganz anders als Westernhagen macht es die gut eineinhalb Jahrzehnte jüngere Doro Pesch, die sich Anfang der achtziger Jahre in der Heavy-Metal-Undergroundszene der Stadt einen Namen macht. Mit ihrer Band Warlock verarbeitet sie Einflüsse der ersten Welle der britischen Heavy-Metal-Bands wie Judas Priest und Iron Maiden. Daraus entsteht ein melodischer, hochenergetischer Powerrock mit reichlich Pathos. Pesch und ihre Mitstreiter überzeugen das belgische Musiklabel Mausoleum Records von sich. Mit englischen Texten setzen sie auf die stetig wachsende globale Metalszene und werden mit ihren Alben Burning The Witches, Hellbound, True As Steel schnell zu deren Kultstars. Dass eine Frau in einer Heavy-Metal-Band singt, ist ein Novum. Doro Pesch ist schließlich auch die erste Frau, die auf dem britischen Festival Monsters Of Rock auftritt. Dann aber kommt es zu Streitigkeiten über die Konzeption der Band. Das Plattenlabel mischt sich ins Repertoire ein. Rudy Graf verlässt die Band, die sich dann noch mal zum großen Schlag durchringt, der ihr 1987 mit dem Album Triumph & Agony gelingt. Diesen internationalen Erfolg nutzt Pesch, um eine sehr erfolgreiche Solokarriere zu starten. Anders als Westernhagen, der ein deutscher Superstar aus Düsseldorf ohne internationale Ausstrahlung wird, ist Doro Pesch ein internationaler Superstar aus Düsseldorf in einem kleinen, aber bedeutenden Segment der Rockmusik.

Am Anfang aber ist der Ratinger Hof ein Ort der Freiheit. Dass der kleine Club zu einer der Geburtsstätten des deutschen Punk und New Wave werden kann, ist aber nur zu erklären mit seiner Nähe zur nahen Kunstakademie. Markus Oehlen, Jörg Immendorff und vor allem der antiakademisch orientierte Joseph Beuys werden Stammgäste. Ihr Zusammentreffen mit den DIY-geprägten Punkern löst ungeheure Kreativität aus. „Die Künstler haben sich interessiert für die Punks und die, die dachten: Was ist denn das? Das war diese Wechselwirkung“, sagt Delgado. „Und plötzlich dachten dann 20, 30 Leute: Wir dürfen machen, was wir wollen“. Für DAF, die geprägt sind durch die expressive Performance und die kontroversen Texte Delgados und den Sequenzer-Sound von Robert Görl, heißt das, den Punk clubtauglich zu machen. Damit werden sie zu entscheidenden Wegbereitern für Genres wie Electropunk und EBM. Wir fragen Delgado zum Abschluss, warum DAF Düsseldorf recht zügig verlassen und nach London gehen. „In Deutschland gab es den Ratinger Hof, die Markthalle [in Hamburg] und das SO36 [in Berlin], wo man als Punkband überhaupt spielen konnte. Es gab kein einziges Label, das an solcher Musik interessiert war“, erzählt er. „Und in London gab es tausend Clubs! Und tausend Punks! Und tausend Labels! Das war ‚the place to be‘.“

Als wir mit Jürgen Engler sprechen, der die Düsseldorfer Szene als Mitglied von Male erlebt hat, zusammen mit Dörper in den Krupps spielt und heute in Austin lebt, bestätigt er diese Sichtweise: „Mit dem Ratinger Hof hatte man das CBGB von Düsseldorf. In der Altstadt hat sich das alles geballt wie in einem Mikrokosmos, in dem sich die ganze Welt getroffen hat und Pläne geschmiedet hat. Das war anfangs wie ein Zuhause draußen“, erzählt er. „Die Szene in Düsseldorf selbst war ja sehr klein. Anfangs 77/78/79 war es mehr oder weniger so, dass die Bands selbst das Publikum waren für die anderen Bands.“ Auch Engler betont die konfliktreiche Atmosphäre im Ratinger Hof: „Es war auch ein extremes Konkurrenzdenken in der Szene da. Ich weiß nicht, woher das kam. Es wurde viel gespöttelt und auch wenig zusammengearbeitet. Ich würde das auch darauf zurückführen, dass die Szene insgesamt ziemlich deutsch war: Dieses Konkurrenzdenken, dieses Spöttische, dieses Elitär-sein-Wollen, dieses andere runterbuttern. Das hat auch einiges kaputtgemacht.“

Düsseldorf gelingt es nicht mehr so recht, eine dominante Popmusikstadt des Landes zu werden. Vor allem die späten 1980er Jahre bis weit in die 90er sind eine Zeit der Ödnis. Zu viele innovative Musiker sind aus der Stadt abgewandert und eine musikalische Infrastruktur fehlt. Erst Mitte der Neunziger Jahre sind es Kreative wie Detlef Weinrich, Alex Paulick, Andreas Reihse und Thomas Klein von der 1994 gegründeten Band Kreidler, denen es wieder gelingt, Düsseldorf auf die internationale Poplandkarte zu setzen. „Ich komme eigentlich aus Süddeutschland und bin für den Zivildienst in Düsseldorf gelandet, weil ich da eine Stelle gefunden habe“, erzählt Reihse. „Ich dachte: Das ist ja toll: Düsseldorf, eben genau, weil da Kraftwerk und der ganze Post-Punk-Kram herkam. Und ich bin in Düsseldorf angekommen, und da war nichts!“

Kreidler, die elektronische Musik mit analogen Instrumenten verbinden und daraus eine eigenständige Mischung aus Avantgarde-Electronica, Dub, Techno und Post-Irgendwas hervorbringen, erschaffen sich als Reaktion darauf im Laufe der Zeit eigene Strukturen: ab 1999 in dem Künstler/Musiker Verein „Innenstadt Mainstream“ am Düsseldorfer Bahnhof, zu dem unter anderem auch die Künstlergruppe hobbypopMUSEUM und der Undergroundclub Ego gehörten; später wird Weinrich einer der Betreiber der Bar Salon des Amateurs.

Der Pianist Hauschka, 1966 als Volker Bertelmann in Kreuztal in der Nähe von Siegen auf die Welt gekommen, ist einer der Künstler, die in diesem Umfeld groß geworden sind. Hier hat er seine Idee des präparierten Pianos verfeinert. Noch bevor er Mitte der neunziger Jahre nach Düsseldorf zieht, ist er zunächst als Hip-Hop-Musiker einigermaßen erfolgreich. Seine Kölner Formation God’s Favorite Dog schafft es bis ins Vorprogramm der Fantastischen Vier. In den frühen nuller Jahren fängt er an, Pianomusik zu komponieren. Auf dem Label Karaoke Kalk veröffentlicht er erste Stücke, 2005 erscheint sein Album Prepared Piano, das zu einem programmatischen Werk mit großem Einfluss wird.

Im vermeintlichen Niemandsland zwischen zeitgenössischer Klassik, Pop und Elektronik beginnt sich eine Szene zu formieren. Musiker wie der deutschstämmige Brite Max Richter oder der in Berlin lebende Hamburger Nils Frahm komponieren Klavierstücke, schreiben Filmsoundtracks und geben Konzerte, die von Minimal Music geprägt sind und häufig mit verfremdeten Klavierklängen arbeiten. Hauschka wird zu einer der zentralen Figuren der Szene. Seine Platten wie Ferndorf (2008) und What If (2017) werden von der internationalen Kritik gefeiert. 2017 wird er gemeinsam mit seinem amerikanischen Komponistenkollegen Dustin O’Halloran für den Filmsoundtrack zu „Lion“ für den Oscar nominiert. Doch es ist das falsche Jahr: Gegen das Musical „La La Land“, einen der großen Kritikerfavoriten des Jahres, können die beiden nicht bestehen.

Hauschka ist ein weiteres Beispiel dafür, dass von Düsseldorf häufig Impulse ausgehen, die weit über die deutschen Grenzen hinaus aufgenommen werden. Die Idee des präparierten Pianos, bei dem die Klaviersaiten durch Gegenstände manipuliert und in ihrem Klang verändert werden, hatte in den vierziger Jahren der amerikanische Avantgarde-Komponist John Cage. Sein Ziel war damals, mit begrenzten Ressourcen perkussive Effekte für ein modernes Tanzstück zu erzeugen. In der Popmusik war der britische Experimental-Techno-Musiker Aphex Twin Anfang der nuller Jahre einer der ersten, der diesen Ball aufnahm. Hauschka übernahm und verfeinerte über die Jahre das Konzept. Auf seinem 2017 erschienen Album What If hat er es zu einiger Meisterschaft gebracht. Vorbilder wie Philip Glass und Steve Reich klingen durch, mal geben Tango-Rhythmen den Takt vor, mal fühlt man sich in das Berlin der Jahrtausendwende mit seinem sparsamen Minimal-Techno zurückversetzt. Und alles ist mit dem Klavier erzeugt.

Ob man Hauschka, Grandbrothers und Kreidler betrachtet oder Bands wie die Elektroniker Stabil Elite, die sich in Text, Ästhetik und Musik konsequent auf den Krautrock beziehen und ihre erste EP bewusst an Klaus Dingers Todestag veröffentlichten: Alle Düsseldorfer Bands der Gegenwart sind nicht ohne ihre Vorgänger denkbar. „Ich bin ja großer Strukturalist. Es bildet sich eine Struktur und daraus bildet sich eine neue Struktur, ohne dass Du genau sagen kannst, was der Anfang war. Pfadabhängigkeit ist das zentrale Wort!“, erklärt Timon-Karl Kalayta irgendwann in unserem Gespräch. Und in der Tat ist es bemerkenswert, wie sehr auch seine Band Susanne Blech eine Düsseldorfer Band ist, obwohl die Mitglieder Zugezogene sind, obwohl Kalayta sich selbst eine große „Musikunbildung“ attestiert, obwohl das Abgrenzungsbedürfnis gegenüber den Vorgängern groß ist und obwohl die Band in einem ganz eigenständigen musikalischen Kosmos aus Punk, Elektro und Philosophie agiert. Susanne Blech sind wie viele ihrer Düsseldorfer Vorgänger mutig, experimentierfreudig und Elektronik-infiziert. Ohne jemals im Ratinger Hof gewesen zu sein, versteht der Songschreiber Elektronik und Punk als vereinbar, sieht er Musik als ein Mittel der Selbstermächtigung, ist für ihn die Verknüpfung von Kunst und Musik Grundlage seines Arbeitens. Kalayta hat ein „Institut für Zeitgenossenschaft“ gegründet, führt einen Verlag für im Erscheinen befindliche Bücher und veranstaltet Ausstellungen. Vor allem aber verwischen Susanne Blech beständig die Grenzen zwischen politischer Ernsthaftigkeit und postmoderner Ironie, zwischen Affirmation und Abgrenzung, zwischen regionaler Verortung und internationaler Orientierung, zwischen Oberfläche und Tiefe. „Für mich gibt es nur ein relevantes Kriterium beim Schreiben: Jeder Buchstabe Kitsch und Pathos muss raus sein! Das muss zu 100 Prozent eliminiert sein.“, erklärt uns Kalayta am Ende. Das beständige, spannungsgeladene Flirren zwischen Polen charakterisiert den Sound of Düsseldorf von Anfang an und macht ihn bis heute außergewöhnlich.

Gegründet haben Sänger Sammy Amara und Schlagzeuger Andreas Brügge die Broilers schon als Teenager in Düsseldorf. Die Toten Hosen waren neben The Clash und Bruce Springsteen einer der wichtigsten Einflüsse der Band, die sich der Oi!-Punkbewegung zugehörig fühlt – einer Welle aus England, die sich als antirassistisch begreift und Impulse aus Ska, Reggae und Pub Rock verarbeitet. Amara hat auch als Grafikdesigner für die Toten Hosen gearbeitet. So ist die Band auch auf ihn und seine Formation aufmerksam geworden. Seit die Broilers in deren Vorprogramm gespielt haben, sind sie sehr schnell sehr erfolgreich geworden. 2011 nahmen sie das Album „Santa Muerte“ auf, das auf Platz 3 der deutschen Charts kam. Auf Platz 1 kamen dann sogar die Nachfolger „Noir“ (2014) und „(sic!)“ (2017). Sammy Amara und seine Band sind inzwischen selbst Superstars aus Düsseldorf in der Tradition der Toten Hosen.

Seit 2011 werden die Broilers vom Toten-Hosen-Label JKP gemanagt. Drei Jahre später wechselte auch die Hip-Hop-Band Antilopen Gang dorthin. Sie ist ein Sammelpunkt von Mitgliedern der Düsseldorfer und der Aachener Hip-Hop-Szene, zeichnet sich durch intellektuelle und politische, häufig humorvolle und ironische, meist sehr kontrovers angelegte Texte aus. Ihr Sound unterscheidet sich stark vom verbreiteten deutschen Gangsta-Hip-Hop-Trash, sie verwenden echte Instrumente, die Raps sind durchdacht und verbreiten eine dezidiert linke Haltung. Mit ihrem Song „Beate Zschäpe hört U2“ prangern sie den bürgerlichen Extremismus im Lande an, in „Baggersee“ regen sie an, dort wo Deutschland ist, eine Atombombe zu zünden, um einen Baggersee entstehen zu lassen. „Atombombe auf Deutschland, dann ist Ruhe im Karton“ lautet der provokative erste Vers des Refrains. 2013 hätte der Freitod ihres depressiven Mitglieds NMZS die Band beinahe vor das Aus gestellt. Doch mit dem Wechsel zu JKP kam der Erfolg. Das Album Anarchie und Alltag, das ein weiterer Beleg für die intertextuellen Bezüge der Düsseldorfer Szene ist und natürlich auf Fehlfarbens Meisterwerk Monarchie & Alltag anspielt, landet 2017 auf Platz 1 der deutschen Charts und gewinnt den Musikpreis Echo in der Kategorie „Kritikerpreis national“.

Auf eine für Außenstehende faszinierende, oft aber auch irritierende Art und Weise ist sich Düsseldorf seiner beeindruckenden Popgeschichte bewusst. Es gibt und gab Tagungen, Ausstellungen und Veranstaltungen über die Großen des Pop in der Stadt, Kraftwerk selbst wurden 2017 bei ihrem Konzert im Ehrenhof wie heimgekommene, verlorene Söhne und Legenden gefeiert. Gleichzeitig hat sich, insbesondere in subkulturellen Kontexten, ein Gefühl der Sättigung verbreitet, das sich in Weinrichs Aussage wiederfindet, Düsseldorf züchte sich eine künstliche Idee von sich selbst als Musikstadt. Der Journalist Philipp Holstein von der „Rheinischen Post“ forderte in einem Artikel über Rüdiger Eschs zweites Symposium über die „Electri_City“, einmal noch dürfe sich Düsseldorf jetzt als Popstadt selbst feiern, dann allerdings müsse es den Blick für das Neue öffnen.

Doch an der Musealisierung alter Helden führt wohl kein Weg vorbei. Kraftwerk, längst ohne die zentralen Mitglieder Florian Schneider, Karl Bartos und Wolfgang Flür unterwegs und bestehend aus Ralf Hütter und drei sehr viel jüngeren Mitgliedern, sind ein Fall für Kunstausstellungen. 2012 führten sie ihr gesamtes Werk seit dem Album Autobahn im New Yorker Museum of Modern Art auf, im Folgejahr wiederholten sie das in ihrer Heimatstadt Düsseldorf und in der Londoner Tate Modern. Auch ihr früher Förderer Conny Plank erfährt inzwischen die Anerkennung, die ihm gebührt. Herbert Grönemeyers Label Grönland, das auch die drei NEU!-Alben wiederaufgelegt hat, feierte den Produzenten 2013 mit einer umfassenden Platten- und CD-Box Who’s That Man: A Tribute To Conny Plank. Sein Sohn Stephan widmete ihm vier Jahre später den intimen Dokumentarfilm „The Potential Of Noise“.
Wenn Düsseldorf nicht bequem werden will, muss es wie andere bedeutende Popmetropolen lernen, mit der Gleichzeitigkeit musealer Helden und neuer avantgardistischer Spielformen klar zu kommen. Sonst legt sich die beeindruckende Tradition wie eine Mehlschicht über alles, was neu entsteht. Mit ihrer kompakten Altstadt, die Krupps-Sänger Jürgen Engler an seine seit vielen Jahren enorm kreative neue Heimatstadt Austin erinnert, und mit der Kunstakademie hat die Stadt ideale Voraussetzungen, immer wieder frische kreative Köpfe anzuziehen, die mit neuen Ideen aufregende Popmusik erschaffen. Doch Kulturszenen altern und müssen sich frisch halten, um dem Neuen Raum zur Entfaltung zu verschaffen. An Orten wie dem Salon des Amateurs ist das immer wieder gelungen, weil sich eine kompromisslose, widerständige und unbequeme Grundhaltung nicht mit dem Bestehenden zufriedengibt. Diese Einstellung ist die Voraussetzung dafür, dass Düsseldorf auch weiterhin auf der Musiklandkarte bleibt. Und zwar auf der internationalen!

Dieser Text ist die überarbeitete, verlängerte Fassung des Kapitels „Düsseldorf: Menschmaschinen und Altstadtpunker“ aus dem Buch „Sound of the Cities. Eine popmusikalische Entdeckungsreise“, Kein & Aber 2016, ISBN: 978-3-9540-3091-0. Abdruck mit freundlicher Genehmigung von Kein & Aber AG, Zürich.
www.keinundaber.ch/de/literary-work/sound-of-the-cities/
Im Buchhandel erhältlich.